I
¡Titán! Ante cuyos ojos inmortales
los sufrimientos de la humanidad,
vistos en su triste realidad,
no eran como las cosas que los dioses desprecian.
Un callado e intenso sufrimiento;
la roca, el buitre, y la cadena,
todo lo que el soberbio puede sentir de dolor,
la agonía que ver no deja,
la asfixiante sensación del infortunio,
que no habla sino en su soledad,
y luego es celosa, a menos que el cielo
posea un oyente, no suspirará
hasta que su voz eco no tenga.
II
¡Titán! La lucha te otorgaron
entre el sufrimiento y la voluntad,
que torturan cuando no pueden matar;
y el cielo inexorable,
y la sorda tiranía del destino,
el dominante principio del odio,
que para su placer crea
las cosas que pueden aniquilar,
te negaron hasta la dádiva de morir:
el desdichado don de la eternidad
era tuyo y bien lo has soportado.
Todo lo que Júpiter tonante te arrancó
no fue sino la amenaza que le devolvió
los tormentos de su tortura:
el destino muy bien previste,
pero no se lo dijiste para aplacarle;
y en tu silencio estuvo su sentencia,
y en su alma un vano arrepentimiento,
y un temor malvado tan mal disimulado,
que en su mano temblaron los rayos.
III
Tu crimen divino fue ser bondadoso,
el hacer con tus preceptos menor
la suma de las desventuras humanas,
y el fortalecer al hombre con su propia mente;
pero confundidos como tú fuiste desde las alturas,
aún en tu paciente energía,
en la resistencia y en la repulsa,
de tu espíritu impenetrable,
que ni tierra ni cielo pudieron agitar,
una poderosa lección heredamos:
tú eres un símbolo y un signo
para los mortales de su destino y su fuerza;
como tú, el hombre es en parte divino,
una corriente turbulenta de fuente pura;
y el hombre en parte puede prever
su propio destino fúnebre;
su desventura y su resistencia,
y su triste existencia sin aliados:
a la que su espíritu puede oponerse
y equipararse a todos sus desastres,
y a una firme voluntad y a un hondo sentido,
que hasta en la tortura capaz es de divisar
su propia recompensa concentrada,
triunfante cuando se atreve a tal desafío,
y haciendo de la muerte una victoria.
Diodati, julio de 1816
Extraído de:
Lord Byron: Poemas escogidos
Editorial Visor Libros, 2006
Versión en inglés: PROMETHEUSby: George Gordon (Lord) Byron (1788-1824)
lunes, 23 de enero de 2012
ILUSTRACIÓN
La Ilustración significa el movimiento del hombre al salir de una puerilidad
mental de la que él mismo es culpable. Puerilidad es la incapacidad de
usar la propia razón sin la guía de otra persona. Esta puerilidad es culpable
cuando su causa no es la falta de inteligencia, sino la falta de decisión o de
valor para pensar sin ayuda ajena. Sapere aude es, por consiguiente, el lema de la
Ilustración.
Kant ¿Qué es la Ilustración?
COMENTA ESTA CITA. OBLIGATORIO EN LA CLASE DEL MARTES 24 A 5º HORA. YA SABÉIS QUE YO NO ESTARÉ CON VOSOTROS.
Kant ¿Qué es la Ilustración?
COMENTA ESTA CITA. OBLIGATORIO EN LA CLASE DEL MARTES 24 A 5º HORA. YA SABÉIS QUE YO NO ESTARÉ CON VOSOTROS.
domingo, 15 de enero de 2012
HAMLET en EL TERCER MILENIO
Después de conocer el texto íntegro y de haber trabajado las versiones cinematográficas, podemos tratar esta versión de teatro que en 2011 se llevó a cabo en las naves del Matadero de Madrid.
Blanca Portillo se atreve con este personaje shakespiriano. Pretenden ver a Hamlet como una mujer criada como un hombre, alguien que posee las dos facetas.Ya en los años 60 Nuria Espert intentó una representación femenina de HAmlet y los abucheos fueron muy sonados.
Os dejo unos fragmentos de esta representación para que hagáis vuestro propio análisis. Espero que os guste tanto como a mí.
miércoles, 4 de enero de 2012
HAMLET . SHAKESPEARE
Escrita y estrenada en torno a 1600-1601, esta tragedia en cinco
actos en verso ( versos blancos, ya sabemos) y en prosa de William Shakespeare ha llegado a nosotros en
varias redacciones.
La historia de Hamlet fue narrada por Saxo Grammaticus en la Gesta
de los daneses , de principios del siglo
XIII. Llegó a Shakespeare a través de las Histoires Tragiques de F. de
Belleforest y de un drama perdido, que probablemente apareció en la escena hacia 1587. Hay algunas divergencias importantes entre la narración de
Belleforest y el drama shakesperiano: en el relato del francés, Hamlet sabe
desde el principio cómo murió su padre, por lo cual su fingida locura tiene una
magnífica justificación; por otra parte, no muere en el cumplimiento de su
venganza y es capaz de obrar enérgicamente en el momento preciso.
En la tragedia de Shakespeare, el rey de Dinamarca ha sido
asesinado por su hermano Claudio, que ha usurpado el trono y se ha casado, sin
respetar las costumbres, con la viuda del muerto, Gertrudis. El espectro del
padre aparece a Hamlet en la muralla del castillo de Elsinore, refiere las
circunstancias del delito y pide venganza. Hamlet promete obedecer, pero su
naturaleza melancólica le hace irresoluto y le obliga a posponer la acción;
mientras tanto se finge loco para evitar la sospecha de que amenace la vida del
rey. Se cree que ha turbado su mente el amor de Ofelia, hija del chambelán
Polonio, a la que, habiéndola cortejado anteriormente, trata ahora con
crueldad...
Así comienza esta historia que poco a poco se va complicando con la personalidad de nuestro protagonista.
Entre las escenas famosas, figuran la del monólogo de Hamlet
(acto III, esc. 1) que empieza con el célebre verso "Ser o no ser, he aquí
el problema" ("To be or not to be: that is the question"),
Pero el juicio sobre Hamlet es extraordinariamente complicado
debido a una serie de problemas que no son divagaciones ociosas: ¿por qué, por
ejemplo, Claudio no interrumpe el drama de Gonzago que reproduce las
circunstancias de su delito, a la sola vista de la pantomima que precede a la
declamación de los actores? ¿Por qué Hamlet emplea persistentemente con Ofelia
un lenguaje obsceno e insultante?,
La escena del cementerio.
La escena del cementerio.
A tales preguntas, los críticos que se sitúan en un punto de vista estrictamente histórico responden alegando las frecuentes incongruencias de los dramas de la época. ¿ qué opináis al respecto?
Con Hamlet, que encarna esa actitud
que ha sido definida como una enfermedad de la voluntad, contrastan Fortinbrás
y Laertes, hombres de acción. Las alternativas de frenesí y de aparente apatía
del carácter central señalan el ritmo de toda la tragedia, ritmo febril, con sus languideces, que da al drama su fascinación
indistinta, tan difícil de analizar, pero siempre intuida por el auditorio.
Del teatro de Shakespeare se ha dicho que tiene mucho que ver con el cine. Muchas son las versiones cinematográficas de sus obras. En concreto de Hamlet se han hecho varias,en 1948, en 1990 Hamlet, el honor de la venganza ocn Mel Gibson, o la versión de Kenneth Branagh de 1996, película de cuatro horas de duración.
La muerte de Ofelia es considerada como un hito en la literatura universal, las dudas sobre su muerte y su intención han hecho que pase a ser un personaje literario de gran relevancia. Ofelia reacciona con la locura y el suicidio al desengaño amoroso ( en realidad falso, pues los verdaderos sentimientos de su amado Hamlet se han ocultado para llevar a cabo su plan de venganza) y le han llevado a un trágico error.
Este cuadro de John Everett Millais sitúa la dramática escena en un idílico entorno natural ( locus amoenus) .
martes, 3 de enero de 2012
TEATRO ISABELINO
El teatro
isabelino (1558-1625)
es una denominación que se refiere a las
obras
dramáticas
escritas e interpretadas durante el reinado de
Isabel I de
Inglaterra (1533-1603),
y se asocia tradicionalmente a la figura de
William Shakespeare
(1564-1616).
En realidad se extiende la
era isabelina
hasta incluir el reinado de
Jacobo I (†
1625),
o incluso
hasta la clausura de los teatros en el año
1642 a causa
de la llegada de la
Guerra civil
("teatro carolino").
Shakespeare le
dedica a Jacobo I algunas de sus obras principales, escritas para celebrar el
ascenso al trono del soberano, como
Otelo (1604),
El rey Lear (1605),
Macbeth (1606,
homenaje a la dinastía
Estuardo), y
La tempestad (1611,
que incluye entre otros una "mascarada",
interludio musical en honor del rey que asistió a la primera representación.
El período
isabelino no coincide cronológicamente en su totalidad con el
Renacimiento
europeo y
menos aún con el
italiano,
mostrando un fuerte acento
manierista y
Barroco en sus
elaboraciones más tardías.
FACTORES HISTÓRICO-SOCIALESLa época isabelina significó el ingreso de Inglaterra en la Edad Moderna bajo el empuje de las innovaciones científico-tecnológicas como la revolución copernicana y de las grandes exploraciones geográficas (es cuando comienza la colonización inglesa de América del Norte).
La separación de la órbita del Papado y del Sacro Imperio Romano, con la derrota de Felipe II de España y de su Armada invencible (1588), el mayor bienestar económico debido a la expansión del comercio a través de Atlántico, sellaron el triunfo de Isabel y el nacimiento de la Inglaterra moderna. En esta época de intercambios culturales creció el interés hacia las humanae litterae y por lo tanto, hacia Italia, donde los intelectuales huidos de Constantinopla (1453) habían llevado consigo antiguos manuscritos de los grandes clásicos griegos y latinos haciendo surgir un interés sin precedentes por la antigüedad greco-romana y los estudios del idioma hebreo.
Nació entonces en Italia el Humanismo (una vocación sobre todo filológica y arqueológica), destinado a madurar en el siglo XVI durante el Renacimiento, con la creación de un arte y una arquitectura moderna y una renovación tecnológica a gran escala (se piensa sobre todo en un Leonardo da Vinci). Si en Italia el Renacimiento se agotó hacia la mitad del siglo XVI, en el norte de Europa (donde llegó más tarde) perduró hasta las primeras décadas del siglo XVII.
EL DRAMA EN LOS TIEMPOS DE SHAKESPEARE
El
drama en tiempos de Shakespeare era de tradición muy antigua en Inglaterra. En
las grandes ciudades era tradicional la representación de “milagros” (ensayos
del drama religioso en la Edad Media), representados en las catedrales y en los
claustros de los monasterios, y sus temas se reducían a las vidas de los santos
y a la exaltación de las instituciones de la Iglesia. Su acción era esquemática
y tenían pocos personajes. Estas representaciones eran realizadas por grupos de
cómicos diestros.
Así el teatro fue un importante modo
de diversión del público en general. Se estimuló la práctica de la carrera
teatral, en casas de la aristocracia, que mantenían grupos de actores que eran
un poco descendientes de los juglares y bufones antiguos. Eran hábiles
esgrimistas, luchadores, bailarines, músicos y cantores con gran experiencia en
los modos de divertir a la gente.
El teatro isabelino hereda esta
tradición en la formación de lo cómico, a la vez que la búsqueda de la
dependencia de un señor que los protegía.
En la época de los Tudor, los nobles
permitieron que sus propias compañías ejercieran su oficio en otras partes. Así
ocurre la independización de estos grupos que adquieren la capacidad de
mantenerse por sí mismos.
Los primeros teatros que se conocen se
establecieron en los patios de las posadas adaptados para ello, donde se
construía un tablado para la representación. Casi todas estas posadas quedaban
en los suburbios o en las carreteras de acceso a la ciudad.
Las carretas de cómicos que
transportaban los trajes y la utilería llegaban a Londres buscando hospedaje en
las posadas. Y mediante un trato con el hospedero que participaba en las
ganancias, a cambio de comida, el patio de la posada quedaba reservado para
ellos.
En la evolución del teatro, se supone
que una etapa posterior fue utilizar toda la posada para el uso de los actores.
Numerosos financieros se ocupaban de
las mejoras en los teatros. De las posadas a un edificio con fines teatrales
hay un paso.
En cuanto a la ubicación, hubo dos
factores que determinaron que se construyeran en las afueras de la ciudad:
primero, la oposición de las autoridades, que influidas por el pensamiento
puritano, pensaban que el teatro era un modo de deterioro de las costumbres, no
sólo morales sino físicas; segundo, la necesidad de no alejarnos mucho de la
ciudad, para tenerlos al alcance de la población. Estas razones en apariencia
contradictorias, explican cómo la construcción de los teatros estaba supeditada
a la: existencia de un vivo interés por el espectáculo, la cantidad de público
que asistía a ellos, por un lado, y por otro la oposición que los puritanos
ofrecían a este tipo de esparcimiento que significaba un alejamiento del hombre
de los principios morales rígidamente interpretados por ellos.
Fue tradicional las agrupaciones
teatrales formada por niños, que llegaron a competir con la de los adultos.
Cuando llegaba el tiempo en que la edad les hacía perder la voz, muchos de
ellos, ingresaban en comp2añías de adultos, donde realizaban el aprendizaje
cabal del arte escénico y se convertían en actores profesionales.
Además de las representaciones en los
teatros públicos, las compañías prestigiosas lograban muchas veces que fueran
invitados a representar en la corte. Así ocurrió con la compañía de Shakespeare,
durante los reinados de Isabel I y Jacobo I. Las representaciones se realizaban
en salones acondicionados para ello. De esta costumbre, van a surgir los
teatros privados, se puede decir que las cortes, con sus salones, fueron en
realidad los primeros teatros privados. Esta costumbre luego se extendió a las
residencias de los nobles y a las universidades.
MARCO HISTÓRICO
Pasados los largos años de anarquía de la guerra de “Las dos rosas”, entre las
casas rivales del York y de Lancaster, el reinado de Isabel I trajo la
pacificación definitiva de las islas, con excepción de los disturbios religiosos
de Irlanda.
Pacificada, dominada religiosamente por la secta protestante puritana,
Inglaterra tuvo tiempo de ocuparse de su posición en el mundo. La monarquía se
transformó en un centro dispensador de monopolios que le dieron como
retribución, riqueza, poder y dominio, especialmente en el nuevo mundo.
Paz, riqueza, orden interior, afianzamiento de la monarquía absoluta, temor al
desorden y a la anarquía, son los elementos que encontramos en el reinado de
Isabel I. Pero además, y como nunca antes ni después, conoció Inglaterra tal
florecimiento de las artes y las letras.
El reinado de Isabel I Tudor, hija de Enrique VIII y Ana Bolena, tuvo uno
duración de cuarenta y cinco años (1558-1603).
Este período de esplendor y prosperidad se manifestó en la literatura y teatro,
se prolonga incluso en el reinado de Jacobo I Estuardo.
Los rasgos más sobresalientes del teatro isabelino son los siguientes:
*
Se produce en un momento
en que llega a su declinación el drama medieval reemplazado por un drama
renacentista (notar que el renacimiento inglés es mucho más tardío que el
italiano o español)
*
Era un teatro popular,
dirigido a un público heterogéneo que veía representarse en el escenario sus
propios problemas y hechos cotidianos (se aprovecha todo, era una crónica de
actualidades y una crónica histórica)
*
Los dramaturgos
isabelinos no respetan las unidades artistotélicas de tiempo, lugar y acción:
“libre de reglas”
*
Había una alternancia en
la obra, tanto de situaciones trágicas con cómicas; así como de poesía y prosa.
*
Las mujeres no
participaban como actrices, los papeles femeninos eran entregados a chicos y a
jóvenes.
ESBOZO DE UNA TEORÍA DEL ARTE DRAMÁTICO DE SHAKESPEARE
El teatro al que accede Shakespeare, alrededor de 1550, estaba en manos de
actores, quienes pagaban a los poetas para que escribieran sus temas, para un
teatro lleno de vida, laico, amparado por los nobles y también perseguido por el
gobierno puritano. Los petas eran considerados piezas importantes del éxito de
los actores que se fueron despojando de los viejos usos dramáticos: la
pantomima, la pirueta, mezclada con frases
sonoras y pomposas, la declamación moralizadora, etc. La cultura del
renacimiento permitió la renovación tanto de los temas, como de los modos de
interpretarlos. El actor adquiere en el momento que Shakespeare llega al teatro
otra dimensión. El poeta crea un nuevo arte interpretativo. Concentró en el
actor la posibilidad de dotar al texto de fuerza, a partir exclusivamente de la
modulación de la voz y del conocimiento en las posibilidades expresivas de su
cuerpo. No hay que olvidar que las grandes obras de Shakespeare carecían de
decorados, por eso, el poeta dar al texto, la emoción y el efecto ilusorio que
tenía la finalidad de retener al público.
Shakespeare tuvo que enfrentar una limitación de la que también supo sacar
partido. Debió utilizar muchachos para interpretar los personajes femeninos de
sus obras. En las escenas amorosas evita todo contacto físico entre los
enamorados. El diálogo insinúa con fina musicalidad, el abrazo, la sensualidad,
la pasión. Claro que esto era una tremenda prueba para el jovencito que
desempeñaba el papel.
Todo el oficio y su concepción del arte escénico derivan de las necesidades y
estructura de los teatros. De ahí deriva el que Shakespeare dejara de lado las
llamadas unidades aristotélicas de tiempo, lugar y acción. El escenario
elemental le obligó a liberarse de ellas. Su drama por esta circunstancia se va
a sostener permanentemente en el texto.
En el teatro de Shakespeare son los personajes los que señalan los cambios en la
acción, en el lugar o el tiempo.
El mayor aporte de Shakespeare al teatro es la revelación del carácter como
rasgo principal. Y el primer personaje que entabla esa relación entre él y el
público es Hamlet.
Shakespeare va deshilvanando en el escenario el infinito trasmundo que
transcurre en el alma del personaje, que se irá revelando ante nosotros
lentamente. Para que esa autorrevelación nos inunde de tal manera que nos
sintamos involucrados, el poeta se vale del monólogo. Es el medio por el cual
entrevemos el conflicto que está en la conciencia del personaje. Para darle más
vigor a esta forma de revelación, Shakespeare va a utilizar alternativamente la
prosa y el verso.
Shakespeare a través del dominio de su arte, sustituye todo elemento foráneo del
cual no pueden prescindir las demás obras de teatro: maquinaria teatral,
utilería, etc.. Shakespeare coloca todo en la potencia de sus versos, y en las
posibilidades del actor.
Hasta la atmósfera de las escenas aparecen explicadas en el texto. El frío la
oscuridad en donde esperan la aparición del espectro en Hamlet; la oscuridad en
el castillo de Macbeth señalada por Banquo.
EN RESUMEN
El teatro isabelino, lograba una síntesis de valores populares y renacentistas.
La época de Shakespeare fue una época de marcada individualización, emanada de
las reflexiones filosóficas sobre el hombre, nacida del estudio empírico de las
pasiones y de la teoría de los caracteres, surgida de un estilo de vida
caballeresco y cortesano. Cervantes y Shakespeare son los videntes de la
individualización, deben sus logros a esta captación de la historia que
vivieron.
Fueron tres las novedades que introdujo el drama humanístico en el teatro:
Transformó el teatro medieval, que era esencialmente la representación y
pantomima, en obra de arte literaria.
Aisló, para realizar la ilusión, la escena, del público.
Concentró la acción tanto en el espacio como en el tiempo, sustituyendo, la
desmesura épica de la Edad Media por la concentración dramática del
Renacimiento. lunes, 2 de enero de 2012
Commedia
dell Arte , antecedente del teatro clásico europeo.
Es un espectáculo popular que se imporvisaba cada día sobre las tablas, cuya base redica en la improvisación. Su difusión tuvo mucho éxito en Europa. En España numerosas compañías se hicieron famossas desde mitad del S.XVI, en Fracia llegaron a tener protección real.
(o
Commedia dell'Arte según el nombre original italiano), es un tipo
de teatro de actores (sin texto fijo) que se originó en Italia en
el siglo XVI y que fue muy influyente en Europa hasta el siglo
XVIII.
Literalmente
el nombre hace referencia a la comedia hecha por actores
profesionales, y se contrapone a la commedia erudita cuyo texto se
escribía íntegramente. De ahí que se considere como teatro de
improvisación. En realidad cada actor tenía un repertorio de
frases y bromas a partir de las cuales construía su papel.
Las
obras se dividían en tres actos, tenían una trama definida y una
serie de personajes arquetípicos, dentro de esos dos límites los
actores podían improvisar. Los temas solían ser enredos amorosos,
los celos, etc. La proporción de texto y gesticulación podía
variar en función del país donde estuviera actuando la compañía,
en países extranjeros había menos gags verbales y más visuales.
Muchos
de los personajes masculinos llevaban máscaras, no así los
femeninos. Aún así se suele considerar que era un teatro de
máscaras. De hecho en las compañías de comedia del arte había
actrices, mientras que por aquellos tiempos en las compañías de
teatro inglesas sólo estaban formadas por hombres, que hacían los
papeles de mujer en travesti.
Personajes
Cada
personaje tenía rasgos muy marcados y una ciudad o pueblo de origen
muy definido.
Arlechino
Arlequín
'Arlequín'
es uno de los personajes clásicos de la comedia del arte (Commedia
dell'Arte que nació en el siglo XVI), de origen italiano y cuya
tradición se remonta en el tiempo a la Edad Media.
Vestía siempre
igual, con un traje lleno de parches de colorines y llevaba una
máscara negra de nariz respingona.
Representaba a un criado bufón,
astuto y muy avaro. A veces tenía el comportamiento de un niño
caprichoso.
Su interés consistía casi siempre en buscar comida y
en la compañía de las mujeres.
Más
tarde, en las arlequinadas de los siglos XVII y XVIII, el personaje
tomó otras características pasando a ser un amante insidioso,
vestido con el mismo traje cuyos parches se convirtieron en cuadros
en forma de rombo, de colores brillantes.
El
origen de Arlequín está en Hellekin o Helle-kin que era un reflejo
diablesco del dios Odín (padre de todos en la mitología
escandinava).
Era el personaje principal y satánico del Car-navalis
o Carrus-navalis de las fiestas del equinoccio de primavera, fiestas
que duraron hasta el siglo XIII en Flandes y Alemania. En ellas se
recordaba las entradas de los vikingos.
Bergamo
BERGAMO
Mas
aventurero y popular que el pantaleon derivaba era una mezcla de
arlequin y pantaleon juntos.
es
un hombre de campo (de Bergamo) y viste un traje de rombos, lo que
pretende ser una versión estilizada de las vestimentas con
remiendos.
Es el criado de Pantalone o Pantalón,
Pantalone
o Pantalón,
PANTALEON
Personaje
principal amo y señor , tiene al arlequin como su criado, dueño de
las aventuras
Originalmente
fue Pantalone (Pantalón de Bisognosi, Pantalón), rico y mísero
comerciante veneciano, padre de Isabela y amo de Arlequín, al que
trata despiadadamente
Columbina
COLOMBINA
Colombina
es un personaje de la Commedia dell'Arte italiana.
Se trata de una
criada.
Se
viste con un traje ajado y lleno de penachos y no lleva máscara.
En
ocasiones, bajo el nombre de Arlequina, puede llevar un traje
similar al del Arlequín.
Es característico su denso maquillaje
alrededor de los ojos y el hecho de llevar un tamborcillo con el que
rechazar los intentos de acoso de Pantaleón.
A
menudo se trata del único personaje sensato del escenario.
Colombina ayuda a su señora, la innamorata, a ganarse el afecto de
su verdadero amor, a base de manipular a Arlequín y contra
Pantaleon, mientras manejaba al entorno de innamorato.
(en
español Colombina), también llamada arlequina, era la criada de la
enamorada, y la amante de arlequín.
Il
Capitano
un
soldado fanfarrón, pero cobarde en el fondo.
Il
Dottore,
EL
DOCTOR
En Bologna, la ciudad de más
tradición universitaria, representa el
mundo de la aristocracia y la cultura. También es un glotón y un
bebedor, de hecho su máscara es roja para indicar esto
último.
pero
luego se transformo en Personaje de gran inteligencia y madurez.
Solía
ser el que imponía la parte seria o melodramática de la historia, o
también el que ponía los paños fríos al conflicto.
Innamorata
(la
dama joven), la protagonista, que no llevaba máscara.
Innamorato
(el
galán), el protagonista, que tampoco llevaba máscara.
Isabella
(también:
Lucinda, Cornelia, Silvia, Rosaura), La hija de Pantalón.
Pagliaccio
(el
payaso), es un precursor de los payasos modernos
Pedrolino
(o
Pierino, de Vicenza, que dio lugar a Pierrot) es el precursor del
payaso listo, con su cara blanca y su sombrero de pico.
Scaramuccia
(o
Scaramouche), un espadachín aventurero que substituyó al capitán
en versiones posteriores.
BUFON
personaje
divertido amigo del Pantaleón
En aquella época había una costumbre muy curiosa en Italia: en los
teatros, para evitar que el público se aburriera mientras cambiaban
los decorados, salían a escena unos cómicos con los carrillos
llenos de aire y otros actores, con gestos muy exagerados, se
dedicaban a darles bofetadas, haciendo que el aire saliera en forma
de bufido y provocando la risa del público.
Bufón viene, por lo
tanto, del italiano "Buffare", que significa soplar, y al
cómico que salía con la boca llena de aire y recibía las
bofetadas lo llamaron "Buffone".
A partir de entonces, a
la persona que hace reír poniéndose en ridículo ella misma o
mostrando cosas ridículas se le llama
PULCINELA
POLICHINELA
Pulcinella
o Polichinela), Nápoles], un jorobado mujeriego y pegón.
Polichinela es un personaje de las farsas y pantomimas italianas, de
carácter burlesco.
Recibe el nombre de su creador, Paolo Cinelli,
famoso comediante originario del Nápoles del siglo XVI.
Para
situarnos un poco en contexto, durante los siglos XVI y XVII se hizo
popular en italia un estilo teatral en el que los personajes eran
siempre los mismos, y los argumentos variaban según la
improvisación de los personajes de acuerdo con su carácter.
Se
celebraban teatrillos en las calles y las plazas a las que acudía
gran parte del pueblo.
Así, con el paso del tiempo, los personajes
adquirieron personalidad propia, y se fueron diferenciando según
sus vestimentas.
Así
Arlequín llevaba un vestido de parches en forma de rombos y un
antifaz o tricornio en la cabeza.
Su papel era el de un sirviente
siempre pobre, pero ambicioso, y en general se metía en líos
acabando apaleado.
Enamorado de la hija de su amo, Colombina, famosa
por su belleza, se enfrentaba siempre al padre de ésta al intentar
verse con la bella Colombina.
Odiaba a Brighella (que iba siempre
vestido de blanco y de verde) por ser muy corpulento y fuerte,
virtudes de las que Arlequín carecía.
Además,
el Doctor llevaba un atuendo negro y una máscara de mejillas rojas.
Era un borracho y se las daba siempre de hombre culto hablando sobre
temas que desconocía, e igual era médico que abogado según la
conversación.
Por
otro lado, Polichinela o también conocido como Pulcinello, vestía
siempre de blanco y con un gorro puntiagudo.
Tenía la nariz
aguileña y la barbilla prominente, con voz nasal y de elevado
volumen.
A veces, también tenía joroba.
Era un astuto matón que
no se separaba de su garrote para darle una paliza a quien no
pensara como él.
El
personaje de Polichinela nace, como hemos dicho, en Nápoles, donde
alcanza un gran éxito y popularidad llegando a alcanzar su fama a
Francia, donde es bien acogido hasta que aparece en escena el
personaje Guignol, que será la causa de su declive.
Así, en
España se le conoció como Don Cristóbal Polichinela.
